Imprescindibles: "El hijo único" (1936)

Una viuda envía a su único hijo a recibir una mejor educación. Años más tarde, ella lo visita y lo encuentra como un pobre maestro de escuela.

 Con esta, su primera película sonora en 1936, el director japonés Yasujiro Ozu sentó las bases para las películas que le darían un nombre. Basándose en el diálogo para sostener el drama, evoca una gran emoción a través de imágenes equilibradas de una sutileza exquisita.

Sinopsis

Japón, 1923. Otsune es una viuda pobre que lucha por criar a su único hijo Ryosuke en la ciudad rural de Shinshu. Un día, el maestro de Ryosuke, Ookubo, visita a Otsune y la convence de que permita que su hijo continúe sus estudios después de que salga de la escuela primaria. Otsune sabe que tendrá que hacer muchos sacrificios para pagar la educación de su hijo, pero acepta hacerlo entendiendo que su hijo trabajará duro para convertirse en un gran hombre. Pero cuando se muda a Tokio para buscar fortuna, el amor lo desvía; casándose joven y formando una familia, hace un trabajo ingrato como maestro de escuela nocturna y apenas llega a fin de mes. Años después, Otsune viaja a Tokio por sorpresa para visitar a su hijo y se decepciona al ver su situación: vive al borde de la pobreza, en un barrio pobre con su esposa y su bebé recién nacido.

Crítica

 El hijo único, el primer largometraje sonoro de Yasujiro Ozu, a menudo se pasa por alto, pero seguramente merece ser considerado uno de los trabajos más importantes del director. La historia que cuenta difícilmente podría ser más simple, pero es una pieza de cine seductora con un encanto inmenso y un atractivo universal. Uno pensaría que, dado que Ozu había sido un maestro del cine mudo japonés durante una década, el sonido agregaría poco a sus películas. De hecho, Ozu usa el sonido de manera tan imaginativa y deliberada como usa la cámara, como lo demuestra esta película. La banda sonora no solo aporta realidad añadida a lo que se ve en la pantalla, sino que también amplifica la poesía del arte de Ozu.

 El hijo único tiene una sutil complejidad que desmiente su simplicidad narrativa. Al igual que gran parte del cine japonés, los personajes rara vez muestran sus emociones, pero bajo la plácida calma podemos sentir fácilmente la vorágine de sentimientos que están en juego. Con qué facilidad nos identificamos con la sensación de traición de Otsune cuando se entera de que su hijo no ha logrado hacer nada con su vida. Y qué fácil es simpatizar con la vergüenza de Ryosuke cuando se da cuenta de lo que su madre ha tenido que sacrificar para pagar su educación. Pero también hay una cierta cantidad de ambigüedad. Incluso cuando el drama se ha desarrollado, no podemos estar seguros de si Ryosuke ha logrado redimirse ante los ojos de su madre o si ella todavía lo considera un fracaso. ¿Quién sabe qué emociones conflictivas asaltan el corazón de una madre?

 Al igual que gran parte del trabajo de Ozu, el paisaje es un elemento esencial de esta película. Los profundos sentimientos de arrepentimiento y desilusión que recorren la narración se ven realzados de alguna manera por la sombría desolación del entorno de los barrios marginales. Este no es el Tokio que inmediatamente viene a la mente. Se parece más a la ubicación sombría de un drama neorrealista italiano, con la pobreza y la privación grabadas profundamente en cada toma. Sin embargo, a pesar de lo desolado que es este escenario, también hay una resonancia poética, una sugerencia quizás de que la situación no es tan desesperada como parece. Como reconoce su madre, Ryosuke es todavía un joven, tiene toda la vida por delante. Si bien un aire de tragedia impregna los últimos disparos persistentes, podemos estar seguros de que todo saldrá bien al final. Ryosuke aprenderá del ejemplo de autosacrificio de Otsune y trabajará duro para cumplir con su deber sagrado como padre.

Trasfondo

 El hijo único fue una película importante en la evolución de Ozu como un gran artista cinematográfico, en la que mostró muchas de sus estéticas distintivas (las poéticas tomas de "almohada", ángulos de cámara bajos, tomas estáticas a menudo filmadas a través de ventanas y puertas, diálogos puntuados con silencios y, por supuesto, la aparición recurrente de hervidor y botellas en la esquina de los marcos) y temas recurrentes (sacrificios familiares, realidades urbanas, melancolía y soledad de los personajes obreros, etc). La experimentación con un estilo que comenzó en este filme se llevó a buen término con el cine de posguerra de Ozu, a partir de su desgarradora obra maestra Primavera tardía (1949).

 Sobre un fotograma inicial de El hijo único, leemos una cita del escritor Akutagawa: "La tragedia de la vida comienza con el vínculo entre padres e hijos". También lo hacen la mayoría de las películas de Ozu. Una y otra vez, se centra en los padres y sus hijos, y a menudo en sus nietos. Una trama típica implicará el sacrificio de un padre o un hijo por la felicidad del otro. No es raro que tanto el padre como el hijo hagan sacrificios en una creencia errónea sobre lo que el otro desea.

 Si el trabajo anterior y silencioso de Ozu tendía hacia lo cómico y experimentaba con una variedad de estilos, esta obra de 1936, por el contrario, encuentra al director en libre dominio de su estética característica y ya completamente comprometido con sus temas típicos. 

 

 En muchos sentidos, la película de Ozu realizada seis años después, Había un padre (1942), parece seguir el mismo patrón que esta, su predecesora. Al igual que la película anterior, se refiere al sacrificio de un padre soltero (esta vez un padre) por su único hijo, que termina viviendo separado de su viejo. Y al igual que El hijo único, comienza cuando el personaje principal todavía es un niño antes de saltar repentinamente hacia adelante varios años cuando el niño se convierte en un hombre. Pero el tema de la decepción en el hijo de uno está notablemente ausente en el trabajo posterior (el veredicto final del padre sobre su hijo, "Eres un joven fuerte", parece una verdadera declaración de aprobación), mientras que las barreras económicas impuestas por la crisis financiera de Japón de 1936 ya no parecen sostenerse. La pregunta en la película no es si el sacrificio de los padres puede garantizar una vida económicamente sostenible para la próxima generación, sino cuáles podrían ser los costes emocionales de ese sacrificio.

 En este filme, Ozu destila toda una vida de silenciosos malentendidos y ahogadas frustraciones en una dolorosa sucesión de falsas sonrisas y vistosas cortesías; con perversa ironía, ilustra la brecha generacional en una escena en la que Ryosuke lleva a su madre a ver su primera película sonora, que, fiel a la política japonesa de la época, está en alemán. Ozu observa con su propia furia reprimida cómo la modernidad arranca tanto los mejores como los peores aspectos de la tradición.

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