⭐ Cuando unos mineros mexicanos convocan una huelga general, es solo a través de la solidaridad entre ellos y el apoyo de su familia como triunfan.
Demonizada y acosada fuera de la pantalla en su estreno, La sal de la tierra, estrenada en circunstancias casi imposibles en los años 50 del S. XX, tiene un fuerte reclamo de ser la película estadounidense más ambiciosa jamás realizada. Según su director Herbert J Biberman y el guionista Michael Wilson -incluidos en la lista negra cuando se hizo este filme, junto con el productor Paul Jarrico y el actor Will Geer-, fue el "primer largometraje realizado en los EE. UU. sobre el trabajo, por el trabajo y para el trabajo". Más que eso, fue "una película que no tolera a las minorías sino que celebra su grandeza".
Sinopsis
Cuando unos trabajadores mexicanos en una mina de zinc convocan una huelga general, solo a través de la solidaridad entre los trabajadores y la determinación indomable de sus esposas, madres e hijas es como consiguen triunfar.
Crítica
La sal de la tierra se produjo como una película conscientemente radical durante uno de los periodos más represivos de la historia política estadounidense. Iniciada por una serie de personas incluidas en la lista negra de Hollywood, pronto alcanzó el estatus de una empresa cinematográfica verdaderamente colectiva, empleando el talento y la experiencia de muchos de los involucrados en los hechos reales que retrata la película, así como del grupo original de profesionales de Hollywood expulsados. Debido a que fue concebida como una declaración políticamente radical sobre las condiciones de trabajo, la organización sindical y las relaciones entre razas y sexos, el filme se enfrentó el acoso oficial y no oficial de los líderes políticos e industriales cuyo pensamiento caracterizó la era del presidente estadounidense McCarthy.
La película contó con solo cinco actores profesionales; el resto eran lugareños. Se centra en Ramón Quintero (Juan Chacón), un organizador de huelgas cuyas creencias progresistas no se extienden al hogar familiar. Gradualmente, su esposa Esperanza (Rosaura Revueltas), embarazada de su tercer hijo, comienza a reafirmarse y se vuelve fundamental para alentar a otras mujeres locales a unirse al piquete y luchar contra las tácticas de acoso de los jefes de fábrica y la policía corrupta.
La sal de la tierra tiene un guion poderoso y, a menudo, lírico, filmado en un estilo influenciado por el neorrealismo italiano y haciendo un uso atmosférico de los paisajes de Nuevo México. Es un tributo conmovedor a la lucha de sus súbditos no solo por la paridad económica con los trabajadores anglosajones, sino también por la justicia racial y un reconocimiento, como dice Esperanza en el filme, de "nuestras raíces son profundas en este lugar, más profundas que los pinos, más profundas que el pozo de la mina".
Este filme trató, de manera única para la época en que se hizo, las cuestiones de raza y clase como inseparables de las de género. Esto molestó a algunos líderes sindicales, como Harry Bridges de Longshoremen: "¿Por qué tuviste que traer la cuestión de la mujer? ¿Por qué no pudiste haber hecho una película directa?" Pero más tarde, en la década de 1970, sería elogiado por la crítica feminista Ruth McCormick por su atención sin igual al "tema de la liberación de la mujer, desde la política del trabajo doméstico hasta el mito de la supremacía masculina".
Igualmente inusual es el énfasis que los creadores de La sal de la tierra pusieron en trabajar en colaboración con los hombres y mujeres que retrataron. Wilson discutió su guion con alrededor de 400 lugareños en reuniones públicas. Le dijeron que no se involucrara en "travesuras de Hollywood", que no querían ver representaciones estereotipadas de la promiscuidad y el alcoholismo mexicanos, y que el enemigo tenía que ser retratado "no tanto como personas sino como una fuerza".
El filme destaca constantemente la dimensión racial de la lucha de clases. Uno de los gerentes blancos dice sobre los trabajadores: “Son como niños en muchos sentidos. A veces hay que seguirles la corriente. A veces hay que pegarles. Y a veces hay que quitarles la comida”.
La película también aborda el racismo dentro del sindicato. El organizador blanco del sindicato internacional está comprometido con la causa de los trabajadores y con la democracia sindical, pero su paternalismo aún se cuela. Uno de los trabajadores, Ramón Quintero, lo critica: "Hasta el último detalle, no nos das nada en qué pensar. ¿Tienes miedo de que seamos demasiado flojos para tomar la iniciativa?"
También es esta especialmente una historia feminista, ya que las mujeres insisten en que sus problemas de fontanería interior y agua caliente en las viviendas propiedad de la empresa se incluyan como una demanda del sindicato de hombres. Esta es la historia de las mujeres al menos tanto como la de los hombres, y continúan presionando por la igualdad cuanto más participan en actividades de huelga. Esta lucha llega a un punto crítico cuando Esperanza confronta a su esposo, Ramón, sobre su determinación de mantenerla en su lugar:
"¿No has aprendido nada de esta huelga? ¿Por qué tienes miedo de tenerme a tu lado?
¿Todavía crees que puedes tener dignidad sólo si yo no tengo ninguna?
¿Te sientes mejor teniendo a alguien más bajo que tú? ¿En el cuello de quién me apoyaré para sentirme superior?
Quiero levantarme y empujar todo hacia arriba a medida que avanzo."
Trasfondo
La película resultó ser un ejercicio de solidaridad tanto como un manifiesto de la importancia de la misma. En sus memorias de 1965, Biberman analiza las primeras etapas de la producción en términos casi utópicos: "Durante tres semanas probamos Estados Unidos. Durante tres semanas completas, una forma de vida democrática y de vecindad comenzó a brillar a través de una comunidad de muchas culturas, razas, clases y condiciones de vida. La comunidad avanzaba hacia la paz y la seguridad. De hecho, estaba a punto de convertirse en una comunidad".
Sin embargo, pronto, un escritor del Hollywood Reporter comenzó a protestar, alegando que la película era propaganda que ponía en peligro la producción en las minas de zinc de Nuevo México y, como resultado, el esfuerzo de la guerra de Corea de los EE.UU. El político californiano Donald Jackson dijo al Congreso que la película era "una nueva arma para Rusia", "diseñada deliberadamente para inflamar los odios raciales y representar a los Estados Unidos de América como el enemigo de todos los pueblos de color".
Casi de inmediato, rodar la película se volvió peligroso. Multitudes de vigilantes descendieron al plató, derribaron las cámaras, agredieron a los miembros del elenco y del equipo y les dijeron que se fueran de la ciudad o que los sacarían en cajas de madera. Pusieron música ruidosa por altavoces, dispararon balas contra el automóvil desocupado de uno de los actores y quemaron la casa de otro. Hubo colusión de los funcionarios: la actriz mexicana Rosaura Revueltas fue deportada como extranjera ilegal antes de que se completara la filmación.
La postproducción no fue más fácil: los laboratorios se negaron a procesar la película; la edición se llevó a cabo en secreto y en muchos lugares, incluido, en un escenario, el baño de damas de una sala de cine abandonada en South Pasadena. Más tarde, después de que Barton Hayes renunciara como editor jefe, se reveló que había estado a sueldo del FBI. A ninguno de los músicos de la orquesta que interpretaron la música de la película se les dijo el nombre del proyecto en el que estaban trabajando. Incluso cuando la película finalmente se completó, solo un periódico de Los Ángeles publicó anuncios para ella, los exhibidores fueron amenazados con represalias económicas y físicas si la reservaban y, en una ironía especialmente amarga, el Sindicato de Proyeccionistas se negó a ejecutarla.
Se han escrito extensos artículos sobre cómo todo el establecimiento estadounidense se unió para detener la producción de la película y, finalmente, su lanzamiento y distribución. Como enfatiza la columna de Film Inquiry, “La sal de la tierra sigue siendo la única película en la historia de Estados Unidos donde cada etapa de producción y distribución fue alterada e impedida por casi todos los niveles del gobierno y la policía en el país”. Desde ser declarada como una película subversiva en el Congreso hasta el mordaz rumor de Hollywood Reporter que dijo que "se hizo bajo las órdenes directas del Kremlin", esta expresión de puntos de vista políticos de izquierda asustó a la paranoica América blanca de la década de 1950.
A mediados de las décadas de 1960 y 1970, La sal de la tierra encontró su audiencia y gradualmente ganó un estatus de culto. Aún así, las preocupaciones políticas apremiantes de la película, desde la liberación de la mujer, el racismo hasta las desigualdades de clase, continuaron reduciéndose a "pro-comunista".
En años posteriores, el productor Jarrico diría en una entrevista que La sal de la tierra fue la única película estadounidense que se estrenó oficialmente en China entre 1950 y 1979. Tuvo una cálida recepción en México y Europa del Este, pero en Estados Unidos circuló principalmente de manera encubierta. El historiador laborista Daniel Walkowitz, cuyos padres eran comunistas y que se describe a sí mismo como un "bebé de pañales rojos", tenía nueve años cuando la vio por primera vez a finales de la década de 1950: "Fue una poderosa representación de la clase trabajadora, mostrando lo que había sido y lo que podría ser posible. Estaba fácilmente 20 o 25 años adelantado a su tiempo. ."
Si bien la película sigue siendo un talismán para ciertos sectores de la izquierda estadounidense, los cinéfilos la han olvidado en gran medida, muchos de los cuales probablemente la considerarían insuficientemente autorreflexiva, demasiado partidista. Esa es una visión con la que John Gianvito, director estadounidense de aclamadas películas de ensayo como Profit Motive y Whispering Wind, no está de acuerdo: "Agitar emociones y propagar pensamientos es un servicio valioso".
